– et enfin, les découvertes optiques du physicien Eugène Chevreul, détaillées dans son ouvrage De la loi du contraste simultané des couleurs, publié en 1839, dont les théories sur la perception des couleurs ont une influence majeure sur la conception de la peinture. Il met ainsi en lumière l’idée de “ton local”, qui désigne la variation de la couleur propre à un objet selon l’environnement dans lequel il se trouve, ou encore le principe de complémentarité des couleurs. La perception d’une couleur appelle sa complémentaire de par la persistance rétinienne : une petite tache violacée perturbe notre vision après l’éclat de la lumière jaune d’un flash … Ce principe du mélange optique est la base du pointillisme, ou divisionnisme, qui consiste à former les couleurs en juxtaposant de petits points de couleurs pures, sans les mélanger physiquement, le “mélange” se faisant dans la tête du contemplateur.

Claude Monet : la couleur et la lumière

Claude Monet apparaît toujours comme la figure de prou de l’impressionnisme, d’une part parce que c’est un de ses tableaux qui a donné son nom au mouvement, bien qu’involontairement, et d’autre part car il a incarné l’impressionnisme toute sa vie. Né à Paris en 1840, il passe quinze années de sa vie au Havre, de 1845 à 1859, où il bénéficie des conseils du peintre Eugène Boudin, qui lui transmet sa passion pour la peinture de paysages en extérieur. Notons qu’à cette époque, le paysage est considéré comme un genre mineur, bien après la peinture d’histoire ou mythologique, le Grand Genre, affectionnée par les peintres dits “académistes”, aussi appelés “pompiers”. (Trois hypothèses pour ce terme à connotation péjorative : une allusion aux casques brillants de certains personnages représentés sur la toile, un dérivé du terme “pompéien”, en raison des thèmes essentiellement issus de l’Antiquité, ou encore une affiliation avec l’adjectif “pompeux…).

La nature, omniprésente dans l’œuvre  de Claude Monet, devient de plus en plus un prétexte pour peindre un au-delà, une métaphysique, quelque chose du temps, de l’espace et de la lumière, une impression. Et pour la toucher du doigt, une seule arme : la couleur.

“La couleur est mon obsession quotidienne, ma joie et mon tourment.”

Claude Monet

Pour capter cette impression, cet instantané, Monet s’empare d’un motif qu’il reproduit inlassablement, selon le moment de l’année et du jour. Ces motifs peuvent tout aussi bien être la cathédrale de Rouen que des peupliers ou des nymphéas… Entre 1890 et 1891, Monet peint une vingtaine de toiles prenant comme motif des meules, situées dans un champ situé près de sa maison à Giverny, dans l’Eure, en Normandie.  La composition se veut simple et tripartite : le ciel, la végétation, les meules. Pas de fioritures, car le temps est compté : il faut capter l’instant, l’éphémère, cette lumière volatile, ce camaïeu versatile.

Cette réflexion autour de la couleur et de la lumière emmène Monet aux abords de l’abstraction. D’ailleurs, le peintre russe Vassily Kandinsky lui rend hommage dans son ouvrage Regards sur le passé :

“Je vécus un événement qui marqua ma vie entière et qui me bouleversa jusqu’au plus profond de moi-même. Ce fut l’exposition des impressionnistes à Moscou – en premier lieu la Meule de foin de Monet. Et soudain, pour la première fois, je voyais un tableau. Ce fut le catalogue qui m’apprit qu’il s’agissait d’une meule. J’étais incapable de la reconnaître. Et ne pas la reconnaître me fut pénible. Je trouvais également que le peintre n’avait pas le droit de peindre de façon aussi imprécise. Je sentais confusément que l’objet faisait défaut au tableau. Et je remarquais avec étonnement et trouble que le tableau non seulement vous empoignait, mais encore imprimait à la conscience une marque indélébile, et qu’aux moments les plus inattendus, on le voyait, avec ses moindres détails, flotter devant ses yeux. Tout ceci était confus pour moi, et je fus incapable de tirer les conclusions élémentaires de cette expérience. Mais ce qui m’était parfaitement clair, c’était la puissance insoupçonnée de la palette qui m’avait jusque-là été cachée et qui allait au-delà de tous mes rêves.”

Vassily Kandinsky, Regards sur le passé : et autres textes, 1912-1922, Paris : Hermann, 1974, 325 pages, p. 97. (Collection Savoirs)

Impression…

Impression… du latin impressio, “action d’appuyer”, “irruption, choc, attaque, pression”, et au figuré, “effet qu’une chose produit dans l’esprit”.L’ambition du mouvement est de fixer sur la toile une sensation visuelle et non plus une vision intellectualisée des choses. Les artistes sortent donc de leurs ateliers et partent sur les chemins, chevalet et pinceaux à la main (la création des tubes de peintures à cette époque facilite ces escapades artistiques), afin de peindre au plus près de la nature, en plein air.
Dès lors, s’instaure une lutte contre l’écoulement inexorable du temps. Le travail se fait par petits touches rapides en quelques heures, et non plus une superposition de fins glacis nécessitant des jours voire des semaines. Les peintres, tels que Monet, multiplient les toiles sur un même sujet, dans une quête esthétique où la lumière et le temps jouent le rôle principal.
Imprimer un fragment de réel, un instant sur la toile, déjà envolé, déjà idéalisé.

Une marque physique sur une surface, ou abstraite dans notre esprit. Une empreinte, un souvenir.

---

Une escapade estivale à Vannes, une pause déjeuner au cœur de la vieille ville, le vent doux et chaud, les odeurs de pain et de crêpes, les pas qui frappent les pavés, le bruissement des vêtements légers, le brouhaha indistinct des conversations, et au milieu, une petite bulle autour d’une table, à l’ombre d’une vieille maison en colombages.À l’origine de cette recette, il y a, comme souvent (comme toujours ?), un souvenir, dont les sensations se sont imprimées en moi, au point que sa résurgence fait jaillir dans mes narines son fumet, dans ma bouche sa saveur et sur ma rétine ses coloris.

Blé d’or, blé d’ébène